Режиссер-постановщик: дирижер, который собирает фильм
Режиссера-постановщика называют главным человеком на площадке, но что он на самом деле решает? Михаил Вайнберг – режиссер и преподаватель – сравнивает свою работу с работой дирижера симфонического оркестра. В этой статье он рассказывает, как музыка и театр привели его в кино, почему монтаж – это 80% результата и что нужно знать тем, кто хочет стать режиссером.
Путь героя: от музыки и театра к кино
Профессию режиссера Михаил Вайнберг выбрал рано: осознание, что он хочет заниматься режиссурой и театром, пришло к нему в 12 лет. Первой его профессией стала музыка: с пяти лет он учился в музыкальной школе, потом на композиторском факультете и быстро начал зарабатывать на аранжировках для звезд российской эстрады. Позже – ГИТИС, обучение в мастерской Петра Фоменко. Затем была Нью-Йоркская киношкола, где он учился режиссуре монтажа. Там, по его словам, стало очевидно, что набор выразительных средств кино ему интереснее театрального: монтаж в кино – это примерно то же, что репетиции в театре.
Режиссер-постановщик: дирижер большого оркестра
Режиссер-постановщик, объясняет Вайнберг, – это человек, который определяет, как рассказать историю и донести ее до зрителя. Он определяет жанр, то есть настроение и набор выразительных средств, как и что делают актеры в кадре, как и что снимает оператор-постановщик. Это совместное творчество, но «последнее, определяющее слово – за режиссером-постановщиком».
После съемок режиссер определяет, как смонтировать фильм: какой кадр сколько длится, где ускорять кадры с драками, а где замедлять в прыжках, где и как звучит музыка. «По сути, он определяет, что важно, а что не важно в этой истории», – говорит Вайнберг.
Ближайшая аналогия, по его мнению, – дирижер симфонического оркестра. Музыка уже написана композитором, но дирижер решает, как именно она будет звучать. Два дирижера играют одно и то же произведение с одним оркестром по-разному, поэтому на одних дирижеров ходят, а на других нет.
Главная задача перед зрителем, подчеркивает он, – эмоционально зацепить: «Зритель не должен остаться равнодушным. Он для этого пришел к тебе». А любое творчество, по его словам, – развлечение: даже древнегреческие литургии. «Развлечение не значит весело. Когда мы страшно горюем и нервничаем, это тоже развлечение, то есть изменение скуки существования».
Театральная школа – база режиссуры
Вайнберг убежден: театральное образование – база, круче которой нет. Он сравнивает: классический музыкант может играть на ложках, фолк, рок и джаз, а рок-музыканты в симфоническом оркестре встречаются редко. «Все остальное – это уже инструментарий», – говорит он. По его словам, он сразу видит, когда актеры понимают, что делают в кадре, а когда это прикрыто режиссерскими ходами и движением камеры.
Режиссура, подчеркивает он, – большая и сложная профессия, и ее нельзя путать с насмотренностью и начитанностью: обладание информацией и умение с ней работать – совершенно разные навыки.
Монтаж: 80% результата
Монтаж, по мнению Вайнберга, в кино заменяет то, для чего в театре нужны репетиции. «Как минимум на 80% то, что вы видите, – это монтаж», – утверждает он, опираясь на опыт режиссера монтажа и постановщика. Поэтому он не понимает режиссеров, которые отдают монтаж на откуп другим людям: «Научиться монтировать – не бином Ньютона, особенно сейчас». Когда он начинал, пленку резали и клеили, а теперь монтировать можно даже на телефоне.
Свои проекты он монтирует сам. Объяснение простое: когда он снимает, он уже представляет монтаж, а объяснять режиссеру монтажа, что нужно «на полкадра вправо», – «двойной корявый путь». Поэтому он снимает не все дубли целиком и почти не снимает мастер-планов – общего плана на всю сцену: он знает, что ему нужно с этого ракурса и на этой крупности.
Это экономит время, которое он тратит на разбор и репетиции. «В кино, как и в жизни, самое дорогое – время», – говорит он. Он убежден также, что режиссер обязан участвовать в кастинге и уметь работать с актерами. Он напоминает слова Мейерхольда о том, что если убрать из театра все лишнее, на сцене останутся актеры.
Режим работы: от подготовки до цветокоррекции
Подготовительный период, рассказывает Вайнберг, сравнительно «лайтовый»: два-три месяца по шесть дней в неделю по 10–12 часов. Это выезды за локациями, кастинг и репетиции, пробы, читки сценария с цехами.
Потом наступают съемки. У режиссера это минимум 16 часов в день: 12-часовая смена, разбор полетов, дорога до площадки и обратно, и так шесть дней в неделю несколько месяцев подряд. Иногда везет, и график 5/2: «это прямо суперзвезда».
После съемок группа уходит на другие проекты, а режиссер остается на монтаже. Серию в 50 с лишним минут Вайнберг монтирует за четыре дня, день отдает продюсеру на правки, на седьмой отдыхает. Параллельно он занимается музыкой: ни одну экшн-сцену без музыки смонтировать нельзя. Потом наступает «счастье» цветокоррекции: режиссер, оператор-постановщик и цветокорректор в темном зале подбирают цветовое решение. Следом идет компьютерная графика, которая, по его словам, может длиться месяцами, пока не наложат титры.
Отношения с человеком не из кино построить можно: Вайнберг знает несколько очень удачных пар из разных сфер. Но график все равно влияет: «У нас ненормированный рабочий день, у нас ненормированный график, у нас все ненормированное». А своим детям, говорит он, он желает быть счастливыми: «Каким образом они этого достигнут – мне все равно».
Как попасть в профессию: пошаговый план
Вот советуем тем, кто хочет стать режиссером:
1. Получи базу. В профессию, по мнению Михаила Вайнберга, попадают через образование и везение. Образование без практики, считает он, невозможно, поэтому школа должна давать практику.
2. Выбирай учебное заведение внимательно. Ходи на дни открытых дверей: смотри, чем занимаются студенты, какая у них техника, какие работы, как сложилась судьба выпускников.
3. Ищи педагогов-практиков. Лучшие, по его словам, те, у кого в профессии получилось. Сам он учился у активно работающих режиссеров, а его студенты проходят практику у него на площадке. В Московской школе кино он ценит сочетание сильной программы, современной техники и большого количества практики.
4. Не бойся ошибаться. Самая частая ошибка студентов – боязнь ошибки. «Учеба – прекрасное время, когда ты можешь попробовать все и ошибиться во всем. И это будет совершенно безболезненно, даже наоборот, дико полезно», – говорит Вайнберг. А на поступлении, по его словам, этюды показывают, как человек видит мир и профессию.
5. Будь готов к удаче. «Единственное, чем ты можешь управлять, – быть готовым, когда она к тебе придет. Шанс выпадает не один раз, это точно».
Шпаргалка для новичка: 10 терминов режиссера-постановщика
1. Действенный анализ – это метод разбора произведения, на котором строится работа режиссера: он выясняет, чего хочет каждый герой и как развивается действие. В основе метода лежит система Станиславского: задача, сверхзадача, события и факты.
2. Мастер-план – это общий план, на который целиком снимают сцену, чтобы использовать как основу при монтаже. Некоторые режиссеры, как герой статьи, почти не снимают его, чтобы экономить время.
3. Мизансцена – это расположение и движение актеров в кадре или на сцене. Мизансцена помогает зрителю понять, что происходит между героями.
4. Монтаж – это сборка отснятых кадров в сцены и фильм: выбор порядка, длительности и ритма. По мнению героя статьи, на монтаж приходится не меньше 80% финального результата.
5. Режиссер второй группы – это режиссер, который снимает отдельные сцены (трюковые, массовые, дополнительные) параллельно с основной группой. Это помогает ускорить съемки.
6. Сверхзадача – это главная цель, ради которой действует герой и ради которой создается фильм или спектакль. Понятие ввел Станиславский.
7. Темпоритм – это скорость и внутренняя динамика сцены или фильма. Он складывается из темпа (как быстро идет действие) и ритма (как чередуются события и паузы).
8. Хвосты – это недоснятые фрагменты сцен, которые доснимают в дополнительную смену. Раньше на хвосты давали одну запланированную смену, и перебор был проблемой режиссера.
9. Цветокоррекция – это работа с цветом и контрастом готового материала, чтобы все сцены выглядели единым цветовым решением. Над ней работают режиссер, оператор-постановщик и цветокорректор.
10. Этюд – это небольшая сценка, которую показывают без заранее написанного текста. На вступительных этюды помогают увидеть, как человек понимает мир и профессию.